Что на самом деле значат известнейшие картины именитых художников

Картина «Две Фриды» — это своеобразная автобиография самой известной мексиканской художницы Фриды Кало. Напомним, что все ее работы — это автопортреты.

Согласно самой распространенной интерпретации, картина отражает трагическое событие, которое произошло с художницей. А именно болезненное расставание с мужем, художником-монументалистом Диего Риверой. Работа была закончена в 1939 году, вскоре после их развода. На полотне изображены две Фриды — два противоположных образа. Справа — та, которую любил Диего, слева — та, которую он предал. Художница противопоставляет любовь к мужу и неразрывную с ним связь даже после расставания и свое глубокое одиночество и разбитое сердце.



Картина «Прогулка» — одна из самых узнаваемых работ Марка Шагала. Творчество этого автора тоже автобиографично, поэтому центром его «Прогулки» являются не просто мужчина и женщина, а сам художник и его жена Белла. Он стоит на земле, она парит в небесах, но при это они вместе. Несмотря на расстояние, влюбленные держатся за руки, преодолевая закон земного притяжения.

Кроме того, в правой руке художника птица, олицетворяющая синицу в руках, а левой он крепко держит и «журавля» — парящую Беллу. Похоже, что так он решил оспорить русскую пословицу «Лучше синица в руках, чем журавль в небе», подсказывая нам, что не всегда обязательно выбирать.



Эта картина каталонского художника Жоана Миро — одна из его 12 работ, созданных в период общественных беспорядков в Испании. На первый взгляд совершенно непонятно, что это за зловещие танцы петухоподобных чудовищ. Единственное, в глаза сразу бросаются яркие цвета, контрастирующие с чернотой апокалиптического фона, — чувствуется, что это оно выражает нечто крайне беспокойное.

На самом деле таким образом художник передал ужас гражданской войны в Испании (1936–1939). Куча экскрементов в ярко-золотом цвете — это фашистские амбиции, темно-оранжевая область — жертвы войны, а красные руки — кровь.



С самого начала своего творческого пути художник Поль Гоген хотел воплотить на холсте рассуждения о жизни и смерти. В 1897 году он начал работу над картиной «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», а к концу декабря этого же года произведение уже было готово.

Особенность работы заключается в том, что ее нужно читать справа налево, подобно древним священным свиткам. На картине изображены 3 основные группы фигур. Молодые девушки со спящим ребенком представляют начало жизни. Другая группа символизирует душу на высшей стадии ее развития. А старая женщина в заключительной группе, которая, кажется, уже близка к смерти, — символ обреченности.



Энди Уорхол — американский художник, знаковая персона в истории поп-арта. Его работы — это минималистическое искусство: он изображал предметы в их самой простой, узнаваемой форме. Как, например, на своей популярной картине «Банки с супом Кэмпбелл».

В 1949 году Уорхол получил степень бакалавра и ринулся искать источники вдохновения, чтобы создать что-то несуществующее. Художник много экспериментировал, пока не получил отнюдь не бесплатный совет от владелицы художественной галереи Мюриэль Латоу: «Нарисуй то, что видишь каждый день, и то, что все узнают. Что-то вроде банки супа Кэмпбелла». Так и началась история знаменитой картины Уорхола.



Абстрактная серия «Биркенау» — это работа современного художника Герхарда Рихтера, посвященная узникам концлагерей. Художник был впечатлен фотографиями 1944 года, снятыми членом зондеркоманды, — на них изображены трупы, которые готовят к сжиганию в крематории.

Рихтер проецировал снимки на свой холст, а затем накладывал краску слой за слоем, чтобы воссоздать точную форму горы трупов и фрагментов природы, запечатленных на серии снимков в лагере смерти «Биркенау».



«Оранжевое, красное, желтое» — картина американского художника Марка Ротко, написанная им в 1961 году. В 2012 году на одном из открытых аукционов работа была продана за $ 86 млн.

В целом в абстракциях Ротко не стоит искать каких-то образов и скрытых смыслов. Их нужно воспринимать по-другому: важно сосредоточиться на чувствах, которые вызывает у зрителя именно цвет картины. Цель художника состояла в том, чтобы позволить зрителям прочувствовать все эмоции, воплощенные в глубине цвета.



Картина австрийца Густава Климта «Три возраста женщины» — одна из самых узнаваемых работ художника. Она завоевала золотую медаль на международной выставке 1911 года, которая проходила в Риме.

Работа является ярким примером символических произведений Климта. С одной стороны изображена маленькая девочка в объятиях молодой женщины, а с другой — пожилая женщина, отчаянно прикрывающая лицо. И чем дольше мы смотрим на эту картину, тем больше убеждаемся в том, что это не 3 поколения семьи, а одна и та же женщина на разных этапах ее жизни, — символ жизненного цикла и неизбежности течения времени.



Вы видите одну из картин Винсента Ван Гога — «Ночная терраса кафе». На первый взгляд в этой работе нет ничего необычного. Но исследователь Джаред Бакстер, изучавший творчество художника, высказал мнение, что на ней запечатлен сюжет «Тайной вечери» (последняя трапеза Иисуса Христа).

Стоит повнимательнее присмотреться к полотну, как становится заметно, что в центре стоит официант в белой тунике, напоминающей одеяния Христа, вокруг него — 12 посетителей, как число апостолов, а за спиной официанта — окно, линии которого образуют крест.